Será éste un post breve. Adelantaré un resumen diciendo ¡vayan a ver esta película!. Pero háganlo de la mejor forma posible, y esto es en pantalla Imax con 3D digital. Podemos nombrar n antecedentes a esta película, el más antiguo que se me ocurre es cuando de niño fui a ver Captain EO en Disneyland protagonizada por Michael Jackson. De ahí el cine en 3D fue explotado de distintas formas, y realmente poco. Disney es uno de los que más lo explota en sus parques temáticos con espectáculos pequeños pero muy impresionantes. Lo que más sorprende en ese entonces del 3D es esta ilusión de que los objetos se acercan a ti, y no olvido en todas estas películas cómo tratábamos de tocar lo que parecía se nos estaba acercando mucho. Gran fórmula de entretenimiento que podemos gozar en los parques con espectáculos de Los Muppets o el más reciente en Disney, Philarmagic, donde podemos adentrarnos en los momentos más emotivos de los clásicos de Disney (Si alguien se lanza pronto tampoco se pierda de esta atracción, lloras). Bueno, pues todos estos antecedentes son tomados por James Cameron, que combina el 3D, la calidad del Imax Digital y una producción de cientos de millones de dólares para poder, en verdad, colocarnos dentro de otra realidad y hacernos sentir como nunca antes que estamos ahí.

Existen para mí dos grandes parte aguas en cuanto a los efectos especiales en el cine, el primero es Star Wars, con técnicas que nos hacen ver el espacio y la cienca ficción de una forma convincente; luego llegó el segundo parte aguas que es Terminator 2, que involucra el CGI (Computer Generated Images) como nunca nadie antes y nos logra presentar efectos nunca antes vistos de una forma muy real.

Pues el tercer parte aguas es Avatar. Soy un productor, ilusionista, comunicólogo, he visto los shows más impresionantes a nivel mundial, y nuna antes había visto algo tan visualmente sorprendente. Es más, tengo mis antecedentes de producción en cine, y si alguien me diera ahorita 300 mdd y me dijera, has una película como Avatar no sabría ni por dónde empezar.

La historia, que probablemente será lo que más criticarán algunos, y no porque sea mala, sino porque ni modo de criticar cualquier otra cosa, es buena, tal vez no para ganar el Oscar a mejor guión pero sí es muy buena, y está diseñada perfectamente para cubrir todas las necesidades visuales de la película.

Avatar es pionera, estoy seguro, en muchos otros tipos de películas que gracias a la misma tecnología nos llevarán a mundos nunca antes vistos y por primera vez, en verdad, nos colocarán ahí. Por los cortos que pude ver antes de la película la siguiente que creo logrará un efecto similar será Alice in Wonderland, de Tim Burton. Como dije al principio es difícil hablar de una nueva fórmula, pues es más bien un principio o un formato del cual se desprenderán este tipo de películas, y por lo tanto, siendo únicamente un medio, la novedad pasará pronto y entonces tendrán éxito las buenas películas, un medio y formato no basta para dar éxito. Avatar conjuntó todo, vayan a verla.

Jack Bauer

El tiempo real no es una novedad en los medios audiovisuales. Muchas series lo han utilizado en algunos capítulos y también hay antecedentes en cine. El teatro probablemente sea quien más ha utilizado el tiempo real en historias que suceden en un sólo lugar. Pero es 24 el primer programa de televisión que utiliza dicho formato como una premisa, es el tiempo real el primer objetivo de la serie y sin duda alguna la piedra angular para generar suspenso en el espectador.

Para los no conocedores 24 toma su nombre de 24 horas que serán transmitidas durante 24 capítulos, obviamente de una hora cada uno y una hora que es y puede ser cronometreada por el espectador. Presenciaremos entonces el peor día de la vida de Jack Bauer, el protagonista interpretado por Kiefer Sutherland, quien ha cambiado mucho desde aquellas épocas donde lo veíamos en Stand by Me o Good Boys. Jack en la primer serie es director de C.T.U. (Counter Terrorist Unit) que como su nombre lo indica tiene como misión detener ataques terroristas en suelo estadounidense.

Al presentar tiempo real nosotros como espectadores sabemos que si una bomba va a estallar en 5 min. podríamos sacar nuestro cronómetro y tomar el tiempo que tienen los protagonistas para detenerla, o no, lo cual genera suspenso desde el origen. La serie ha tenido muchísimos aciertos y uno de ellos, muy grande, es el hecho de haber demostrado que todo puede pasar. Es posible que la bomba explote, es posible que cualquiera sea un traidor coludido con los malos, o que el malo sea bueno. El consejo es no encariñarse con nadie, en verdad cualquiera puede morir. En cuanto a la línea dramática tenemos por lo general dentro de la macro historia una serie de micro historias, todo a partir de la amenaza de un ataque, pero cada ataque puede contener subhistorias cada una con sus puntos de giro, perfectamente planeadas para dejarnos en un punto de giro al final de cada capítulo, para por lo general, resolver el conflicto a mediados del siguiente, pudiendo entonces empezar un nuevo conflicto que gire al final del mismo capítulo garantizando así la adicción a seguir viendo la serie (adicción que a mi en lo personal ha hecho no seguirla por televisión sino hasta que sale la serie a la venta y así no tener que esperar una semana para ver lo que sigue). Entiéndase que la fórmula es muy buena, pero tiene sus reveses los cuales tocaremos un poco más adelante.

Antes de regresar a los riesgos de la fórmula, y a la consecuencia que en su momento tuvieron, también hablaremos de los métodos utilizados en esta serie de ficción que, en la vida real, ha generado controversia, principalmente en un tema: la tortura. Estamos hablando de un grupo de personas, empezando por el protagonista que tienen que detener a terroristas que están dispuestos a matar y morir por cumplir un objetivo, una misión. Y sabiendo que una vez atrapado uno de dichos terroristas pues es necesario hacerlo hablar para que revele dónde o qué o quienes van a efectuar un ataque, y nosotros con espectadores que tenemos el cronómetro en pantalla sabemos que no queda mucho tiempo. Así que pues la filosofía, por lo menos del protagonista y de muchos otros en la serie es que la tortura es un medio efectivo con el cual se consigue dicho fin. Éste junto con el punto anterior dan pie a al siguiente: Los riesgos de la fórmula.

Existen fórmulas de gran éxito, eso nos queda claro, pero es creencia y error de muchos productores el creer que las fórmulas van a funcionar siempre de la misma manera. Un formato o idea puede funcionar por muchas razones, y no necesariamente el repetirlo creará éxito. Algunos tienen éxito por ser novedad y no volverán a tener éxito en su repetición. Y otras fórmulas se vuelven cansadas o predecibles. En el caso de 24 la repetición de la fórmula empezaba a cansar, e irónicamente, lo impredecible se volvió lo predecible, es decir, piensa que el traidor es quien menos te imaginas y probablemente le vas a atinar. Y ya sabemos que Bauer, iba a ir tras un terrorista, lo iba a torturar, iba a obtener la información y de ahí al mismo patrón subiendo en una escala de importancias hasta llegar al mero mero malo.

Lo que seguía salvando a la serie era la genialidad de los escritores que seguían ofreciendo historias de gran interés, pero es la fórmula la que empezaba a flaquear. Es entonces al término de la temporada 6 que deciden hacer un gran cambio, y algunas tragedias locales ayudaron a los escritores. Por un lado Keifer en un acto de ironismo puro de la vida es arrestado por conducir en estado de ebriedad, lo cual retrasa grabaciones del programa, y por otro lado la huelga de escritores, dicho por ellos mismos, les da un break creativo que les permite regresar con otra frescura y poder escribir la que para mi, es la temporada más creativa después de la primera, la séptima.

No quemaré detalles para las personas que no hayan visto la serie o la última temporada, pero creo que puedo decir sin preocupaciones que una gran virtud de los escritores es empezar por llevar a juicio a Jack Bauer por sus actos de tortura, y es la forma en como puede la serie defenderse ante las críticas  y controversias que ha tenido en el exterior, en la última temporada tampoco existe C.T.U. lo cual también le da un gran giro que vale la pena ver.

El populismo gringo utilizaría una frase para definir la serie: must have. Recomiendo ampliamente a quien no la ha visto que la compre y que se programe en su agenda algunas horas al día para poder verla, pues créanme, he visto a gente que son relojitos y que dicen que no tienen tiempo estar verdaderamente enojados a las cuatro de la mañana sabiendo que tienen que ver otro capítulo, otro y ya.

El David de Miguel Ángel

Antes el arte era un concepto muy simple, constaba prácticamente de tres elementos:

1) Una excelente habilidad técnica

2) Estética

3) Único e irrepetible

Ahora, aunque los tres conceptos son debatibles, y probablemente el único que sigue rondando en los conceptos actuales sea el segundo, es el tercero el primero que sufre un revés con la llegada de un nuevo gran invento tecnológico: La Fotografía.

Antes de la fotografía la pintura tenía principalmente un objetivo, que era documentar las imágenes (por mucho prefiero llamarlo así a usar el término “retratar la realidad”). Evidentemente con la foto la pintura se queda lejos de igual dicho objetivo, y siendo la fotografía arte, podemos eliminar el único e irrepetible, pues sabemos de una fotografía podemos sacar copias idénticas. Es entonces que los pintores deciden utilizar la pintura para transmitir mensajes, plasmar su propia realidad a través de sus manos, su imaginación y su talento. Intentan expresar no sólo imágenes, sino emociones y pensamientos y vuelven, por lo tanto, su habilidad técnica en algo que vale mucho más la pena que sólo imitar imágenes.

Bien, así hay varios ejemplos en la historia y planeo entonces dar un brinco abismal en el tiempo para hablar de un recurso convertido en arte. El Stop Motion prácticamente era el único método de animación en cine antes de que llegaran los avances computacionales. De hecho el dibujo animado podría ser llamado una rama del mismo, sin embargo fue primero el dibujo animado y de ahí utilizamos el término de Stop Motion para hablar de objetos animados a través de la unión de fotografías con sutiles diferencias entre una y otra. Todos podemos recordar a King Kong o a Godzilla en las películas antiguas escalando el edificio. Todas esas animaciones eran realizadas con dicha técnica, pero como bien sabemos, los tiempos cambian y la tecnología ha hecho que esta técnica ahora sea obsoleta para el cine contemporaneo.

Así que, como la pintura con la llegada de la fotografía, artistas ahora toman el Stop Motion para generar entretenimiento y arte. Ya el objetivo no es engañar a la vista y que la gente se pregunte el típico ¿cómo lo hace? Sino expresarse y tener como consecuencia emociones. A continuación ejemplificaré con tres videos. El primero es mío, y realmente fue un experimento que me permitió irme familiarizando con la técnica para poder después hacer un trabajo de SM como a mí me gustaría, pero creo que es un buen ejemplo de cómo funciona, para los que no me conocen pues ese soy yo y espero les guste mi rutina de bolas de esponja.

El siguente video ejemplifica perfectamente mi punto. No es un video que pretenda un efecto especial inexplicable, sin embargo cada imagen está cuidada y es impecable para lograr el objetivo, es una verdadera pieza de arte y espero la disfruten.

Por último un doble giro, y es que es una combinación de Stop Motion con dibujo animado, lo que están a punto de ver es una genialidad y comentaré al final del mismo.

Cuando la tecnología avanza dependemos cada vez menos de los técnicos. Más de una vez he escuchado la queja “ahora cualquiera lo puede hacer”. Y es verdad, antes necesitábamos contratar a alguien que tuviera una cámara y todo un equipo profesional de video para que nos hiciera una video memoria y una película. Ahora cualquiera puede hacer su video podcast y su propia programa de televisión prácticamente desde su celular. Pero el anterior es un ejemplo que esto es bueno, pues la gente que sobresale no será la que tenga los elementos técnicos necesarios, sino aquél que los sepa aprovechar para crear y transmitir. Son los que pueden ver dentro de cualquier recurso una oportunidad de comunicación los que lograrán niveles de entretenimiento y arte que trascenderá entre el mar de intentos que hay.

A principios de los setenta, Richard O’brien escribe y monta en Inglaterra el Show de Terror de Rocky como un homenaje a las películas de monstruos y extraterrestres que se proyectaban en las funciones de media noche en los cines, películas como Nosferatu o Frankenstain, aunque no estoy seguro pero en una de esas hasta El Santo contra las momias. El punto es que este tipo de películas inspiran su obra y tiene gran éxito. De ahí que en 1975 se decide hacer la película que no triunfa de manera habitual cuando sale a cartelera, sino después, cuando la productora decide proyectarla en las funciones de media noche de los viernes. Es aquí donde empieza el fenómeno.

¿De qué trata El Show de Terror de Rocky?, yo daría como premisa que es principalmente un desmadre, en serio, ése es mi resumen en una sóla palabra, pero voy a extender un poco mi descripción. Brad y Janet (Candy y Paco en México), los personajes principales deciden casarse, y cuando están en camino a avisarle a un profesor sobre el casamiento, se atascan en medio de un bosque y tienen que pedir ayuda a un castillo cercano. El amo de dicho castillo es un trasvesti, bisexual, doctor, científico y probablemente uno de los personajes más versátiles de la historia, ah por cierto, está loco. Y gracias a este personaje y a los otros serecitos que habitan en el castillo, Brad y Janet se enfrentan a sus instintos más básicos, primitivos y animales lo cual ofrece una extraña clase de entretenimiento. Al igual que la obra, la película es musical y para quienes no están relacionados, El baile del sapo de Timbiriche es la traducción que hace Julissa de la canción “Time Warp” cuando trae la obra a México en los 80′s con el reparto de Cachún Cachún Ra Ra.

No podemos hablar de una fórmula de éxito para la película, porque la realidad es que su éxito se dio de manera fortuita. Cuando se empieza a proyectar en las funciones de media noche un grupo de fans empieza a regresar todos los viernes a verla otra vez, en una ocasión alguno de ellos gritó algo que tenía que ver con la película y todos rieron, así que la siguiente vez todos lo gritaron además de gritar otra cosa, y así poco a poco se fuerton metiendo más y más al punto de llevar utilería, vestirse como los personajes y actuar la película en vivo al mismo tiempo que se proyectaba. El ambiente se fue poniendo tan bueno que más y más gente empezaba a ir, y esto se empezó a extender a todo lo largo de Estados Unidos y luego a todo lo largo del mundo, donde hasta la fecha se proyecta en Halloween en salas de todo el globo y fans van y hacen lo que tienen que hacer cuando lo tienen que hacer. No existe ninguna otra referencia a un fenómeno así, podemos ver que cuando Star Wars se reestrenó las personas se disfrazaban y se sabían la película de memoria y gritaban y se emocionaban. Pero aquí estamos hablando que los fans tienen prácticamente un guion ensayado y tooodos gritan al mismo tiempo lo que tienen que gritar y actúan lo que tienen que actuar y avientan lo que tienen que aventar durante toda la película, es una experiencia muy entretenida.

Ahora bien, este accidente se convierte en formato, en fórmula para las proyecciones de la película alrededor del mundo. En México Julissa trae la versión teatral a México, sin embargo las traducciones son muy fresas, por ponerles un calificativo (digo, la traducción del Baile del Sapo nomás no tiene nada que ver con la versión original) e ignoro el éxito que haya o no tenido dicha versión, lo que si sé es que la participación del público ni siquiera se tomó en cuenta.

El Show de Terror de Rocky en México

En el 2009 se empieza a montar una nueva versión mexicana de la famosa obra de teatro bajo la dirección de Alma Muriel en su ópera prima. Existen importantes variantes de ésta versión comparada con la de Julissa y también con la original. Por una parte se decide hacer la obra como es de fuerte, con sus vestuarios, sus fajes, sus orgías y todo lo que originalmente pasa, también se le agrega algo que no tiene ni la versión fílmica original, que es el uso de drogas. Yo sé que igual algunos ya se están espantando ahorita y van a decidir no ir, a ellos les digo, no se preocupen, el tono está muy bien dirigido y la obra por lo tanto es inevitablemente divertida. Un elenco con gente talentosa, y me refieron que prefirieron talento a fama, lo cual es feo que lo tenga que mencionar como una virtud cuando debería ser una característica de todo espectáculo. Y también atractivos visuales tanto para  hombres como para mujeres. Con un gran diseño, a pesar de ser un teatro pequeño, nos deja la sensación que hay una gran producción. Sin embargo lo más importante que quiero mencionar en cuanto al formato, es que los productores deciden incentivar lo que ha hecho que el Show de Terror de Rocky sea tan éxitoso, y esto es la participación del público.

Al entrar a la sala el staff entrega al público un kit de participación, que consta de una bolsita con un periódico, una venda, un silbato, un guante de latex y una luz de neón. En el manual se puede leer lo que hay que hacer con esta utilería y en qué momento de la obra, además de venir indicaciones de qué gritos hacer en ciertos puntos del musical y otras instrucciones. El narrador, dentro de la obra además orienta al público para que sepa qué onda. Es en verdad muy entretenido y sorprendente ver cómo todo el público participa y se involucra, el objetivo es también, que los fans empiecen a regresar y se vayan creando poco a poco gritos personalizados a esta versión y a nuestro país.

El reto. El involucrar al público se me hace un gran acierto, por otro lado se debe ser cuidadosos, pues a diferencia de la versión fílmica y contrario a un personaje en una película que no puede escuchar ni vivir ni hacer nada con la participación, el actor en vivo puede que esté de repente de acuerdo o no con lo que se le está gritando o diciendo, y también que se sienta en la necesidad de responder de acuerdo a su personaje, e improvisar. Esto es un arma de dos filos porque las improvisaciones, más cuando funcionan, pueden motivar al actor a enfatisarlas en una siguiente función, y poco a poco ir modificando la versión original hasta perder el control, perder personaje e ir perdiendo público. Si la obra ha sido exitosa se debe cuidar que se mantenga así, en la simpleza de lo que le dio el éxito, y exaltando la calidad en la producción y la excelente decisión de dejar que el público tenga la capacidad de involucrarse. De seguir así no dudo que seguirán teniendo muchísimo éxito.

Recomiendo mucho ver la obra que se presenta de viernes a domingo en el Teatro Arlequín, que se encuentra en la calle de Manuel Villalongín frente al Monumento a la Madre. Saludos!

La versión latina

En el 2001 Simon Fuller crea, en Reino Unido, Pop Idol, un formato de programa de realidad que tenía como premisa la búsqueda del siguiente ídolo pop para los ingleses. El programa tiene gran éxito pero no es hasta que en el 2002 que se realiza la versión gringa, American Idol, que el boom del programa se da con un tremendo éxito.

American Idol marca pautas en el formato que luego serían copiados no sólo por otros realities dedicados a cantantes, sino en mucho otros. Hablaremos sobre el formato en general de los “Lo que sea… Idol” pues se sigue al pie de la letra en todo país donde se ha realizado. Luego hablaremos de la tropicalización latinoamericana.

El formato era simple, sin embargo marca automáticamente una línea de éxito. Tres jueces, por lo general músicos, cantantes y productores combinados (hasta donde yo he visto en todos los formatos son dos hombres y una mujer), realizan en la primera etapa del programa castings por todos los estados de un país (en el caso de LAI en varios países). Esto es el primer gran éxito del programa, pues es altamente entretenido de ver, en este caso no tanto a los buenos, sino a los maletas con un autoestima que ahí te encargo. Es divertidísmo ver como llegan algunos que cantan peor que una foca y uno ya se viene imaginando lo que los jueces opinarán. La transmisión de los castings abarca prácticamente la mitad de la temporada y mientras van avanzando las etapas podemos ver el filtro de talento que empieza a haber y probabemente empezar a escoger algunos favoritos.

Sin duda ésta es una primera razón de éxito, pues además de lo entretenido que es ver los castings en verdad hay una selección por parte de los jueces hacia las mejores voces. De tal forma que cuando se empiezan a permitir las llamadas del público ya se hace sobre la base que todos los que están concursando muestran un mínimo de talento que garantizará la calidad de los siguientes programas y la credibilidad del mismo.

Para la segunda fase los cantantes interpretarán canciones, apoyados por asesores y los jueces buscarán dar su opinión, para que mejoren o algunas veces sólo para molestar o alagar, y el público votará por sus favoritos, así se irán eliminando los menos populares hasta tener a un ganador escogido por el público. El programa en sus diferentes versiones en todo el mundo ha impulsado carreras de grandes artistas que se siguen manteniendo en el gusto del público gracias a su talento. Uno de los grandes éxitos que tuvo el programa fue el de tener un juez como Simon Cowell, quien era el juez… ehhh, cómo decirlo para no decir ojete… ¡malvado!, el juez malvado que  no tenía pelos en la lengua. Su fama creció como la espuma y su estilo también fue copiado por un sinnúmero de shows de todo tipo alrededor del mundo. Prácticamente puedo asegurar que en ningún programa de realidad donde haya jueces falta ahora aquél rudo y frío, como Simon Cowell.

Para la versión latinoamericana hay un pequeño cambio, en el sentido que es la primera edición que abarca muchos países, lo cual fue un acierto porque siendo transmitido en un inicio por televisión de paga exclusivamente (Sony Entertainment Television) pudo abarcar más público. Sin embargo ha tenido éxito y ya nos encontramos en la cuarta temporada. No es un éxito que compita con el que pueda dar la televisión abierta pero ofrece Sony un programa de alta calidad y que probablemente el que mejor entrega la promesa de oportunidades para sus concursantes.

Lo que quiero resaltar es la simpleza de un programa que ha comprobado un éxito rotundo, es muy común que cuando se encuentran buenas fórmulas los productores quieran acentuar todo lo que creen que fue lo que dio éxito. Y no es que no sean elementos buenos, sino que al intentar intensificarlos empiezan a perder dimensión y van poco a poco modificando formatos hasta el punto donde el programa ya no trata de lo que en un origen pretendía ser. Eso estuvo clarísimo, pero voy a tratar de ejemplificarlo.

Latin American Idol presenta un programa para impulsar cantantes, es una idea simple. Luego durante los castings y conciertos es común ver una que otra cápsula que nos habla un poco sobre la vida del concursante y nos permite conocer su lado humano. Al tener éxito estos documentales llega un productor que está realizando La Academia, y que inspirado también por Big Brother y por otros éxitos de lo íntimo decide darle más énfasis a la vida personal y podemos ver cómo antes de cada canción le preguntan al concursante sobre cómo su papá le pegaba de chiquito, y créanme, hay una línea muy delgada entre eso y: ¡Que pase el amante! de Laura en América. Aquí hacen pasar al papá; nada más en el último capítulo que vi, Lola Cortés llegó volando como Peter Pan para darle a uno de los concursantes un anillo de compromiso para su novia. Y los conductores presionando al chavo para que le pidiera matrimonio. ¡Párteme el alma!, ¿hasta dónde hemos llegado? En otra generación decidieron invertirle a la escenografía, así que pusieron ¡un escenario con focas! y como 40 bailarines y performers en escena que les juro que si no es porque al director de cámaras se le ocurría de vez en cuando hacerle su zoom in al cantante, no sabríamos ni de quién se trata el programa.

No basta invertir, hay que hacerlo con inteligencia y con sentido de lo que el programa está persiguiendo, si el programa trata de buscar talento entonces se deben de buscar verdaderos potenciales y no sólo buscar historias que puedan conmover al público. Al final la gente igual se va a identificar y a encariñar con alguno y se va a entretener con calidad, y eso garantizará credibilidad y por lo tanto más programas y por lo tanto lealtad por parte del espectador. Estamos hablando de la misma conveniencia de por qué hacen lo que hacen, sólo propongo caminos más simples. Con esto no me refiero a austeros, me refiero a encaminarse a un objetivo y dar todo lo que se tenga en cuanto a creatividad y producción para alcanzarlo. Los ejemplos ahí están, y por algo funcionan, y por algo algunos otros dan para años de temporadas cada vez con más raiting y otros no.

Los invito a opinar sobre sus favoritos y sobre qué elementos de cada programa les llama a ustedes la atención.

Cambio.

Este reality viene de una adaptación, desde Operación Triunfo Televisa había decidio mantenerse alejado de los shows de cantantes mientras Tv Azteca a pesar de algunos otros intentos no logró hacer triunfar ningún otro show que no fuera La Academia. La Televisora de San Ángel entonces consigue los derechos de un programa que había tenido gran éxito en Estados Unidos: Dancing with the stars. El formato donde ilustres desconocidos se unen a un famoso para competir demuestra tener muchísima fuerza, y además, Televisa hace las cosas bien comprando la franquicia y produciéndola tal y como es. Tv Azteca intenta hacer los mismo que había hecho con Operación Triunfo y La Academia, y cuando se entera de los planes de Televisa intenta salir un domingo antes con una versión “Simi” dentro de otro porgrama que ya se estaba llevando a cabo llamada Aplauso, Aplauso, el cual no triunfó y además seguía teniendo la inigualable mala conducción del señor Tacher.

Debido al éxito de Bailando por un sueño, Televisa repite la fórmula varias veces más, hasta animarse a darle un giro al programa y lo convierte en un show de cantantes. Le siguen dando el giro emocional por la parte de los sueños de los concursantes, buscando también historias desgarradoras para el alma, cosa en la que probablemente yo nunca estaré de acuerdo, pero bueno, ya lo podemos llamar Mexican Style. Por otro lado el casting está muy bien hecho, pues estamos hablando de concursantes que realmente cantan, que tienen talento, y que convierten el programa en verdad en una competencia real de habilidad vocal. Apoyados por profesionales del canto, una orquesta en vivo, y buscando que la producción se enfoque en los cantantes y no en ningún performace distrayente, Cantando por un sueño demuestra que la fórmula del soñador talentoso, en compañía de los famosos, talentosos también, genera lo suficiente para un programa de entretenimiento exitoso, y que supera lo que venía haciendo La Academia.

Por otro lado, la promesa cambió, lo cual es algo interesante, tanto Operación Triunfo como La Academia anteriormente prometían a los concursantes una carrera, un disco, una firma con una disquera. Ante los exitosos fracasos que tuvieron los integrantes de dichos espectáculos con todo y el apoyo de las Televisoras ahora el premio se convierte en el cumplir un sueño, y después se cambiaría por dinero en efectivo o premios relacionados en este sentido con los concursantes. Sería interesante analizar por qué no han salido nuevos artistas hacia el medio a través de los programas, aunque queda un programa de realidad de cantantes que lo sigue buscando, por concepto, por pricipio, y es del cual hablaremos en la parte tres del post próximamente.

Buen día

Muy bien, vamos a hablar de este proyecto que en lo personal me causa mucho conflicto por varias razones. Vamos a empezar con su origen, y aquí viene mi primera pedrada a una empresa a la que le pienso aventar varias: TV Azteca. Esta televisora me molesta que parece se le olvida que tiene una gran oportunidad en la televisión abierta para crear; un día decidió que su motivación creativa sería lo que estuviera haciendo Televisa, y es en esa base que veremos su programación. Si se preguntan qué tipo de programa está transmitiendo TV Azteca en este momento, tomen su control, vean los canales de Televisa y podrán adivinar que la otra televisora tiene, ahora sí como el Doctor Simi, lo mismo, pero más barato.

El origen de La Academia no es la excepción, y yo sé que puedo sonar un poco contradictorio ya que dicho formato es original de Tv Azteca. Pero vamos ubicándonos en el contexto de cuando fue creado. El primer Reality Show que vemos en México es Big Brother, un fenómeno. Big Brother rompe todos los records de audiencia y se convierte en tema de conversación de un país entero e inclusive de grandes líderes de opinión. El programa ofrecía contenido diario y un programa especial los domingos donde todas la familias se juntaban para ver quién iba a ser el expulsado. En otra ocasión hablaremos bien sobre Big Brother pero es importante mencionar que queda muy claro que una nueva forma de éxito es la telenovela de la vida real, al trasgredir la intimidad de otros que complementamos la que no tenemos, y esto en términos prácticos genera raiting. Antes de dicho programa se habían hecho muchísimos intentos fallidos por sustituír el éxito de un programa dominical como lo había sido Siempre en Domingo.

Ahora bien, cuando Big Brother empieza Tv Azteca no tiene nada que hacer, en verdad no había forma de competir con dicho monstruo, pero Televisa comete el error de anunciar, unos meses antes de que Big Brother termine, que su siguiente proyecto sería Operación Triunfo, un reality de canto propiedad de la misma empresa que realiza al gran hermano: Endemol.

Tv Azteca entonces decide adelantarse y antes de que termine Big Brother empiezan ellos su reality de canto basándose no sólo en el formato de Operación Triunfo, sin combinándolo con lo que podíamos ver también en el show de Televisa. Es así como nace La Academia.

Varios aciertos tiene el nuevo formato, nos presenta un grupo de jóvenes comunes con aspiraciones a ser cantantes. Nos presenta por primera vez en México a críticos, aunque dicho sea que en la primer generación estos críticos no tenían prácticamente ninguna repercusión, los cambiaban de programa a programa y solían ser blandos y dar opiniones muy constructivas. Es hasta siguientes generaciones que estos tomarían un papel tan protagónico en las emisiones.

En el formato podíamos ver también contenido diario, es aquí una de las aportaciones que tiene Tv Azteca, se mete duro y directo con la vida de los alumnos, con sus emociones y con sus historias, buscando competir con lo que hacía Big Brother, y les da resultado, para cuando el reality de Televisa termina La Academia ya estaba encarrerada, y para la gente fue fácil seguir su camino viendo ahora a los alumnos, por cierto, Operación Triunfo debido a esto tiene un rotundo fracaso y La Academia termina con un éxito incomparable con ningún programa que antes haya producido Tv Azteca y a pesar de la presencia de, en mi opinión, el peor conductor de televisión de todos los tiempos: Alan Tacher.

El tiempo nos mostraría que de esta generación sólo saldrían dos cantantes exitosos, Yahir y Victor García, uno más exitoso que el otro, otra de ellas, María Inés, lograría consolidar una buena carrera como conductora, y más tiempo nos enseñaría que el porcentaje de triunfadores a partir del reality show sería mínimo, fuera de Yuridia no veríamos otro éxito como cantante solista popular, aunque algunos otros alumnos empiezan a destacar de manera más discreta en teatro musical y otras actividades relacionadas. Sin embargo Tv Azteca no encontraría (a la fecha) otra fórmula que le funcionara para sus necesidades dominicales y es por esto que el programa sigue con todo y que la versión anterior se llamó: La Academia, la última generación.

El formato se ha ido poco a poco modificando, es un hecho lo que hace el programa por su televisora, pero es un hecho que desde su segunda generación en adelante, los programas con los que ha competido Televisa han superado a todas las generaciones. La confusión que generó en los productores el éxito de la primer emisión del programa les ha dejado la tonta idea que el éxito se basaba en las tormentosas vidas de los alumnos, en lugar de en su talento. Es por eso que desde los castings vemos, que, como formato se buscan, no a los alumnos más talentosos, sino una combinación, de alumnos que puedan cantar con otros que aunque no lo hagan ofrescan historias que puedan ser explotadas (mal explotadas) por la producción para crear drama de la vida real. Esto les trajo inclusive un problema en una de las generaciones donde el público estuvo a punto de hacer ganar a una alumna que cantaba peor que niño gritón de la lotería. Vemos mucha inversión en la producción pero mal invertida, hemos visto escenarios con focas y como 40 actores en escena para acompañar la canción de un solista que se pierde entre tanta lucesita, dimes y diretes de los críticos, anuncios en vivo, mensajes de la abuelita o reportajes de los pleitos y noviazgos que se están formando, sólo una generación tuvo músicos en vivo y de lo último que se trata el programa es de calidad al cantar. Pero es también la falta de talento lo que los empezó a diferenciar abismalmente de otros formatos que comentaremos en el siguiente post.

Así que manténganse al tanto, parte 2 y 3 próximamente.

Estereotipos pero ni tanto.

Glee llega a México a través de Fox hace un mes (Noviembre 2009) y hemos podido ver hasta ahora cuatro capítulos de una serie que ya ha demostrado su éxito en Estados Unidos, y por lo que he podido ver, mucha gente la sigue también en nuestro país. La premisa es sobre los estudiantes de una preparatoria gringa y para ser más específico sobre una actividad extraescolar cuya función sólo puedo traducir como el Coro, aunque no es sólo un coro, también bailan y realizan una especie de performance alrededor de sus canciones, en México hemos podido ver una actividad muy similar en conciertos ensamble que acostumbra hacer el Tec de Monterrey y otras escuelas.

La serie aprovecha muy bien tendencias que se vienen dando desde hace años en Estados Unidos y que han tenido un impacto mundial, series como Beverly Hills o películas como High School musical marcan buenas pautas para iniciar una serie como ésta (y eso que los autores nunca vieron Cachún Cachún Ra Ra). Sin embargo no se detiene ahí, en Glee como bien su publicidad lo decía en los previos, podemos encontrar los clásicos estereotipos de las series o películas de prepas, como el galán que no es tan superficial, la porrista que es malvada, la tontita que no es tan fea si se arregla, la gorda traumada pero que puede ser tu mejor amiga, etc. Sobre esto si quiero hacer mucho incapié, porque es aquí donde creo que reside no sólo el éxito de la serie sino la admiración que puedo sentir por sus creadores que no se limitan a imitar, hay propuesta.

A diferencia de High School Musical, una película hecha por Disney, Glee, creada por el autor de Nip Tuck, prefiere aprovechar todos los conflictos internos que pueden tener los adolescentes, así como los de los adultos alrededor de ellos, para darle un giro oscuro, y con oscuro sólo me refiero a que no todo es miel sobre ojuelas. Cuando uno está en búsqueda de su personalidad vamos a encontrar muchas contradicciones entre lo que uno quiere ser y aparentar y lo que realmente uno es. Es ese encuentro lo que genera los conflictos internos, pero también lo que hace que los personajes no sean blanco y negro y por lo tanto las historias sean más humanas. No vamos a encontrar a la totalmente mala, o la totalmente buena, sino vamos a encontrar un giro desde conflictos de personalidad, de interés o hasta perversiones sexuales. Glee buscando un público más adulto presenta personajes lo suficientemente interesantes para mantener una serie y comercialmente una propuesta que abarca muchos targets, inclusive aquellos que no sean fanáticos de los musicales.

Por otro lado, por supuesto un gran, gran atractivo de la serie es la carga de performance musical que contrae. No que el hecho que el programa trate sobre un coro sea suficiente para ver varios actos, también es utilizado dicho recurso para mostrarnos eventualmente lo que los personajes están sintiendo o pensando. Es la exclente contextualización de las canciones (hasta ahora sólo covers) lo que también me parece hace que el público pueda identificarse más con esta modalidad de la serie.

Ahora bien, el reto. Como bien lo he dicho la serie cuenta no sólo con los personajes bien estructurados para darnos suficientes conflictos y mantener una serie durante mucho tiempo, una premisa lo suficientemente buena para generar grandes capítulos de alto entretenimiento. Dentro de la premisa ya pudimos detectar el triángulo amoroso y la fricción sexual que encontraremos durante la serie, pero lo interesante también es qué tanto nos puede dar este grupo de Glee en cuanto a sus metas y a su crecimiento. Por supuesto al principio pudimos notar un grupo de “loosers” (a la que hace alusión la L de Glee en su publicidad) que entran a una actividad menospreciada y que gracias al profesor humano y fabuloso empieza a crecer. Si en esta primera temporada los vemos ganar los intercolegiales, y luego los nacionales, etc., habrá que ver qué tanto los retos pueden mantener el interés del público, de tal forma que la serie no se transforme en una serie antes vista de preparatoria con un muy buen coro que nos deleita cada capítulo. Por el momento, vale la pena seguirla.